传统中国色彩颜料主要是：

矿物颜料、植物颜料、金属颜料、动物颜料、人工把这些混合的颜料。

西方色彩的颜料在工业革命以后，也就是18世纪，大约在巴洛克晚期开始，大部分开始用管装的颜料，可以带着到处走，也有了一些外景画，一方面是国外的工业发展的比较早，还有地域与文化的原因。

总之各种原因造成了中国使用的颜料是比较现实的，实现中比较容易看到的。而国外的颜料比较倾向于数值跟极端，现实生活中不太容易看到的艳丽色彩。

日本就沿用了我们的色彩，而我们严重的西化，但是我们骨子里还是习惯东方色彩，只不过是在比较有品味的人群，在中国古人跟比较有艺术性、有品位的人眼中，色彩已经成为一种观念性的阐释和象征性的比附，而不仅仅是一种视觉的、感性的知觉形式。

对现代设计有着巨大影响的两位，一个康定斯基、一个蒙德里安。

康定斯基大家可能都比较熟悉他的《艺术家自我修养》，蒙德里安，下面这幅是他的作品。

因为这两个人的出现，西方的设计出现了 色彩构成、平面构成、立体构成，

因为他们两个人的影响极大，导致了西方艺术教育乃至全世界的艺术教育都有了一个标准，不管是绘画，平面设计、建筑设计，生活用品等等。

当然这是个基础，然而很多学这方面的甚至是大学生把这些当作标准，

脱离不了这些东西的束缚，最后他们都做的不好，甚至离开的自己的专业。

就像小时候，穿的开裆裤，为了防止尿裤，在一定的年龄范围内是可以按照这个标准去做，就像这 色彩构成、平面构成、立体构成一样，你在刚开始的那个阶段，可以在这个标准里去做，去练习，去创作，当你的创作到了一个更高的层次，你就可以脱离这个标准，在这个标准的基础上去创作出自己的东西。

不能你18岁了还穿开裆裤，就像如果一直抱着三大构成为标准，那你只能活在那个标准里，没有自己的东西，一直穿着开裆裤。

我们这个行业，大部分公众号、自媒体在网络搜集了一些一些色彩构成、平面构成，三原色、互补色、对比色、红色+绿色代表什么，什么颜色代表什么等各种理论讲调色修图，觉得这样会提高自己的含金量，跟艺术沾边。

比方说很多人拿着三大面五大调子讲光影，修图调色的时候却在降低高光、提高阴影来破坏这个关系。

创新 创造不是破坏，是在这个基础上创新创造，做出自己的风格。

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